Caído del cielo

Los hermanos Baxter (el económicamente estable Hank y el singular Jacob) en compañía de un mutuo amigo, intempestivamente descubren una fortuna de dinero en billetes de 100 dólares, en un avión caído cubierto por el alba nieve. Luego de la inicial duda acuerdan ser prudentes, aguardar y repartirse el dinero en partes iguales si nadie los reclama.

La naciente avaricia dará paso a una serie de violentos crímenes que se desatarán como una vorágine de imprevistos sucesos, en parte inducida por las decisiones de la calculadora y fría esposa del ambivalente e irresoluto Hank. Con un final que a más de uno, estoy seguro, sorprenderá.

“A simple plan” de Sam Raimi, con esta sencilla premisa nos muestra cómo la codicia consume los lazos amicales y fraternos en un paisaje donde la nieve es predominante en su totalidad. Las imprudencias los afecta por igual, complicado de por si su compleja situación, sembrando en ellos la desconfianza, la angustia por saberse descubiertos y el temor a una condena por una decisión, quizá, mal elegida.

El sueño americano, ese deseo de ser felices, aún así el dinero no sea segura garantía (aunque bien la disimule) será el vehemente impulso para las impensables ideas y acciones que los llevará por insospechados trayectos de imposible retorno.

Los personajes son bien representados, meritorio es la trasformación de Billy Bob Thorton en su papel de Jacob, un empedernido desempleado y a veces alcohólico, del que es imposible esperar algo bueno, que sin embargo, será el más afectado y el más reflexivo a lo largo de esta simple historia. Por supuesto Bridget Fonda, en el papel de la esposa de Hank, evoluciona hasta convertirse en un ser frío y ambicioso con la única finalidad de apropiarse a toda costa del misterioso y abundante dinero.

Pese a que los actores son conocidas caras de Hollywood, ello no debe generar prejuicios, al contrario, le brinda solidez a la historia en una perdida provincia americana. El suspenso está bien logrado, esas continuas apariciones de negros cuervos no hacen más que acentuar y recordar las continuas desgracias que se desatan a lo largo de la película. Por supuesto las escenas pese a tener un ápice de violencia, son momentáneos y ajenas a lo sensacionalista, dando la impresión de que la nieve lo oculta y lo perdona todo.

Terminada Amistad

Cuantiosas son las películas que se han hecho sobre Billy the Kid; personaje histórico del Far West norteamericano del siglo XIX.

“Pat Garrett & Billy the Kid” (1973) del director Sam Peckinpah no deja de entusiasmar desde sus primeras tomas; lejos del enfoque tradicional de acción de los típicos westerns, ésta tiene las peculiaridad de ser una película que vierte tonalidades melancólicas a raudales. Ya desde sus escenas del medio donde se circunscribe hasta las idiosincrasias de los diversos personajes. Incluso los furibundos tiroteos, son escenas más llenas de realista violencia que de poético suceso.

Pat Garrett (James Coburn), se encargará de dar caza a su antiguo socio Billy the Kid (Kris Kristofferson), para lo cual se valdrá de todos los medios posibles para cumplir su cometido a lo largo de páramos, donde el silencio y una casi ausente vegetación son los habituales compañeros.

Mención aparte es la banda sonora, escrita por Bob Dylan, que imprime a las escenas, esa sonoridad propia que tiende a acentuar ese carácter melancólico y escolta de manera apropiada a la película. Si bien Dylan tiene una participación en ella, su personaje no es determinante e incluso me atrevería a decir que su papel no aporta demasiado a la trama de la historia.

Sin duda una de las escenas más hermosas y más emotivas que he visto es ésa en la que un alguacil conocedor que ha sido herido de muerte, pausadamente se retira, dejando a sus espaldas ese violento tiroteo asesino, encaminándose sin lamentos ni quejidos a un cercano lago mientras el sol baña generosamente sus calmadas aguas. Si a ello le agregas una legendaria canción (Knockin’ on Heaven’s Door) el resultado es definitivamente una de las más conmovedoras escenas de todas las películas que he apreciado en mi corta existencia.

Oscuro Pasado

Unforgiven, estrenada en 1992 y dirigida por Clint Eastwood es una película que a mi entender tiene dos principales virtudes: reinventar nuevamente el alicaído género western (“Dance with Wolves” es otra de ellas) y mostrarnos la maestría que ya irradiaba Eastwood como director.

Los actores son todos de primer nivel, destacando sin duda el cruel “Little Bill”, interpretado magistralmente por Gene Hackman, quien ganó el Óscar de Mejor Actor de Reparto. Además “Unforgiven” se llevó 3 premios Óscar (incluyendo Mejor Película y Mejor Director). Todo un clásico de la década de los 90’s.

William Munny, ranchero sin atisbos de próspera vida, se la pasa luchando honradamente por sacar adelante a sus hijos, con mucho esfuerzo y poca fortuna. El recuerdo de su esposa, muerta hace pocos años atrás, es constante y quien guía su ajetreada vida y quien alguna vez redimió a personaje tan siniestro.

La repentina oportunidad de mejorar las cosas se presenta cuando el joven Schofield Kid, reaviva su oscuro pasado, y le propone matar a dos hombres que desfiguraron a una prostituta y cobrar la recompensa ofrecida.

Pese a un rechazo inicial, la idea de una mejora económica tan valorada, hace declinar su negativa inicial, con la no negociable condición de incluir a su viejo amigo Logan en el trabajo. Para ello tendrán que enfrentarse con el cruel “Little Bill”, desalmado sheriff, quien mantiene el orden en Big Whiskey, escarmentando a todo aquel que infringe la ley.

A lo largo de la larga cabalgata, veremos como afloran sentimientos y personalidades de seres tan diversos. El desmoronamiento de unos y el sombrío florecimiento de otros, así como una falacia en la que los héroes son tan efímeros como el apresurado amor en una acalorada alcoba.

Los escenarios son sencillos y creíbles; la escena en la que el mal emerge, mientras la lluvia la acompaña en su pausado transitar, en su inexorable paso para concluir lo empezado, sencillamente es una vorágine de muerte y violencia.

Noten los créditos finales, evitando salir corriendo, cuando la película ha concluido; ese agradecimiento personal del director a dos grandes del Spaghetti Western. Quien más que Eastwood y su peculiar habilidad.

Ciego, Sordo y Mudo

Tommy (1975) dirigida por Ken Russell es una película que tiene el honor de ser la primera “Ópera Rock” basada en el disco homónimo del grupo The Who, publicado en 1969 y compuesta en su gran mayoría por ese gran y virtuoso guitarrista que es Pete Townshend.

Tiene un reparto espectacular: Ann-Margret, quien gracias a su actuación recibiría una nominación a los premios Óscar; Oliver Reed, a mi modesto entender el que se “roba” el show, Tina Turner, Elton John (si que le gustan los zapatos enormes), Eric Clapton (fabulosa escena en la que sus acólitos son Townshend y John Entwistle), Jack Nicholson, Robert Powell, Paul Nicholas y los propios integrantes de The Who.

La trama es directa: un niño queda sordo, ciego y mudo a causa de presenciar el asesinato de su padre, de quien se pensaba muerto, a manos del nuevo marido de su madre. Con el transcurso de los años, buscarán infructuosamente la curación a sus silenciosas dolencias. Intentarán todos los métodos posibles (religión, alucinógenos, ciencia médica) con vanos resultados. Sin embargo el repentino descubrimiento de la habilidad de Tommy por el “pinball” lo convertirá en ídolo de masas y personaje adinerado, para complacencia de su padrastro y pronta vacuidad de su madre.

Tommy al mirarse al espejo, hábito que parece darle cierta trascendencia, logra misteriosamente sanarse. Pronto será alentadora noticia, que le generará seguidores diversos, instándolos a compartir la sabiduría que en él habita, convirtiéndole en un esperado mesías. No obstante al número creciente de sus seguidores, éstos comenzarán a perder la esperanza, por no lograr alcanzar la iluminación ansiada.

Pese a que sus diálogos son íntegramente cantados, Tommy es una película atrayente, que sin embargo tiene en sus secuencias finales algo que desentona con el resto de la obra. Otorgando una extraña sensación de extravagancia.

Definitivamente sólo la volvería a ver, si estoy muy bien acompañado. Considerando que fui entusiasmado por la idea de oír la fabulosa “Baba O’Riley” salí doblemente desencantado.

Napalm en las mañanas

“Corte del Director”, “Versión Extendida”, son sólo algunas de las denominaciones que se suelen dar a películas estrenadas con anterioridad, pero reestrenadas con novedosas escenas para que el producto comercial tenga un aire de contemporaneidad, permaneciendo así interesante para los nuevos consumidores.

Recuerdo un capítulo de South Park que satiriza de manera magistral esta corriente que se ha hecho moneda común en Hollywood, un emporio cada vez más carente de originales ideas, que ha encontrado en los Re-make su nueva fuente de dinero.

“Apocalipsis Now Redux” (2001), pareciera encajar perfectamente en este rubro, sin embargo es una excepción a la regla. Estas escenas adicionadas, lejos de darle actualidad o fin publicitario, refuerza el mensaje de la película, profundizando en el análisis de un mundo donde la barbarie y la destrucción van de la mano sin distinción de bando, sexo, edad o filiación política.

Aunque tuve la oportunidad de visualizar Apocalipsis Now (1979) en épocas colegiales gracias a la señal abierta de la televisión peruana en la década de los 90’s, quedé un tanto consternado por lo grandiosos de su calidad y lo valioso de su mensaje, algo.

Recién este año pude ver la versión Redux, primero en un horrible doblado con acento español que tanto me desagrada y finalmente la versión subtitulada, cortesía de un colega y compañero de antaño días de colegio (mil gracias Juan Carlos).

El capitán Willard (Martin Sheen) recibe la secreta misión de acabar con el comando del coronel Kurtz, quien además de ser adorado por los nativos, emplea métodos más allá de lo moralmente aceptable (un obeso y descuidado Marlon Brando), para lo cual deberá sortear el serpenteante río que cada vez lo conecta inexcusablemente con el objetivo de su misión, asemejándose quizá a un nuevo descenso a los infiernos descritos magistralmente por Dante. Para ello remontará a bordo de un bote con una singular tripulación: Lance, el relajado e inocente surfista; Chef, un frustrado cocinero acosado por sus personales demonios; Clean, un jovencísimo soldado en el lugar errado, en la hora equivocada y finalmente el Capitán del barco, quizá el personaje más cuerdo y centrado a lo largo de esta oscura pesadilla.

A lo largo de su travesía se encontrarán con singulares personajes: el coronel Kilgore, más preocupado por las olas, el surf y la deliciosa fragancia del napalm temprano en las mañanas. Las escenas del ataque a la aldea del vietcong son ya clásicas e imperecederas. Las conejitas de Playboy, peones y objetos en un mundo cada vez más ermitaño y desentendido; y quizá lo más alucinante del viaje, una plantación francesa con sus propietarios reacios a darse por vencidos.

“Apocalipsis Now Redux”, es una gran película dirigida por el admirable Francis Ford Coppola; en el que la guerra de Vietnam es retratada sin atisbos de comportamiento chauvinista exagerado. La duración no debe distraernos (más de tres horas), al contrario son necesarias y justificadas.

W

Oliver Stone es un director controversial, sus películas son trabajos muy bien logrados (me deslumbró su JFK, mención aparte son sus obras maestras: Pelotón y Wall Street).

Sus personajes son encarnados por una pléyade de reconocidos actores que pese a su brillo no decepcionan, al contrario la frase “dos soles no pueden brillar en un mismo cielo” no funciona para los trabajos de este 3 veces ganador del óscar.

Esa conjunción le da una solidez a sus obras, funcionando como un perfecto engranaje que saca adelante la producción, cosa distante en trabajos similares que fracasan por la cantidad de caras conocidas.

Luego de ver W (la vida de George W. Bush), me siento no muy complacido, en parte quizá a que no se puede ser controversial con un personaje que pasará a la historia como el peor presidente de la historia norteamericana (a menos claro está, que alguien logre superar ese triste calificativo en los venideros días).

Es hartamente conocida las decisiones que tuvo que tomar y que fueron acciones que contribuyeron con su mala fama. La invasión a Irak, justificado con los ataques del 11 de setiembre, llevaron a la concepción de un presidente que pareciera gobernar influenciado por consejeros que vieron grandes interese económicos en las toma de delicadas decisiones (¿encontraron armas de destrucción masiva en Irak?).

A lo mejor quizá por la premura de presentar un trabajo de un personaje “fresco”, por lo que las referencias históricas (llámese documentos) no son muy accesibles por lo novedoso del tema. Diametralmente opuesta por ejemplo a JFK, en el que el paso del tiempo enriqueció como una laberíntica historia, campo ideal para la controversial y cómo se dice “sacar roncha” con su estreno.

W, estrenada en los postreros días de la presidencia de Bush el joven, es un repaso por la vida de un hijo de un ex presidente, atormentado por la figura y legado paterno. Podemos ver sus disipados días, y cómo es que logra superar su adicción por la bebida. No queda de lado su idea mesiánica que tanto se criticó.

Lejos de ser controversial es el retrato ecuánime de un ser humano, vulgar en su comportamiento, enfrentando a demonios personales; afrontando la amenaza terrorista que supuso el 9/11 y que le obligó a tomar poderes más allá de los permitidos.

Claramente no es el mejor trabajo de Stone, sin embargo funciona para entender al ser humano antes de la figura histórica.

Noten la camaleónica transformación de Thandie Newton cómo Condoleezza Rice. Gestos bastantes verosímiles.

Aléjate de mi césped!!

Clint Eastwood es ya un maestro consagrado en el mundo del celuloide. Su evolución es notoria, considerando sus excelentes recientes películas, mezclas sutiles de una crítica sincera y necesaria al sistema norteamericano.

Sin atisbos de exageración puedo afirmar que sus producciones saben comunicar los sentimientos de personajes tan disímiles que frecuentan sus continuos trabajos con una armoniosa combinación de humor inteligente y dramatismo necesario pero jamás exagerado.

Gran Torino, película que acabo de disfrutar, pues otro adjetivo no es posible, nos recuerdo a un personaje antiguo y entrañable: Harry el sucio; sin embargo no resucita al añejo personaje excepto quizá en tonalidades de personalidad que es imposible no desligarlas fácilmente. Pero esa similitud queda ahí.

Walt Kowalski, es un ex combatiente de la guerra de Corea, jubilado y recientemente viudo, racista en extremo y para comprobar que nadie es perfecto, cascarrabias a no más poder.

Será un fustrado intento de robo de su preciado Torino el punto de partida para relacionarse con los “amarillos” que han invadido su apacible vecindario y que irónicamente le llevará a dejar de lado antiguos prejuicios para dar rienda suelta a un personaje que pese seguir expresando lo que piensa, no pierde sus convicciones e ideales en un mundo cambiante y que a veces le resulta extraño.

Kowalski deberá hacer frente a la delincuencia que ronda su pintoresco vecindario, aunque para ello deba de valerse de acciones poco ortodoxas pero bastante peculiares.

Precisamente estas acciones van contra toda lógica del espectador permitiendo un giro interesante llegado el momento más emotivo e importante de la película, que le brinda un toque único de sabiduría y madurez que pocos directores han logrado enmarcar tan espléndidamente en sus producciones.

Eastwood no sólo es un magnífico director sino también un excelente actor, eso se comprueba a lo largo de la película. El elenco, pese a ser en su mayoría, por no decir en su totalidad, desconocido cumple a cabalidad su cometido.

Una vez más Eastwood gratamente sorprende, no podíamos esperar algo menos de él.

Pese a propios rumores que amenazan con un retiro de la actuación, esperemos que sólo sean eso. Y por supuesto, aguardamos más gratas sorpresas de este notable director y actor.

PD: Noten la canción al final de la película, marco perfecto para los créditos finales.

Fatal duelo

A Richard Nixon, se le recuerda por el triste episodio de ser el primer gobernante norteamericano que renunció al cargo presidencial, agobiado por un escándalo político (el archiconocido Watergate).

A meses de haber abandonado la Casa Blanca, su sucesor Gerald Ford le concedió el Indulto Presidencial, hecho que le significó evitar juicios futuros por los delitos que cometió durante su mandato.

Lo que vendría después fueron años de silencio, años en la que sus famosas grabaciones brindarían información de los funestos días. Más allá sólo la controversia y la especulación.

Sin embargo esos años se quebrarían sorprendentemente al concederle una entrevista a David Frost, para explicar por esos aciagos acontecimientos. La idea de Nixon era allanar el camino para el regreso a una futura vida política; el público veía con reticencia lo que seguramente sería una entrevista excesivamente complaciente, en parte por la poca credibilidad del entrevistador, acostumbrado a la vida farandulera y a las banalidades que ella pudiera engendrar.

Contra todo pronóstico Frost consiguió lo impensable; hacer que Nixon admitiera públicamente el reconocimiento de lo que años antes le había arrebatado el máximo cargo al que puede aspirarse en una democracia. ¿Cómo pudo lograrlo?

“El desafío: Frost contra Nixon” es una película que a manera de falso documental ambienta los pormenores de estas ya míticas entrevistas, desde la difícil gestación por lograr la entrevista, para terminar en los momentos tensos que supuso la posibilidad cercana de la resurrección política de Nixon.

Lejanas están las escenas que gustan tanto, esas de violencia gratuita y acción sin sentido. Al contrario, es una película bien lograda considerando quien la dirige (Ron Howard) que logra sorprender gratamente. Por supuesto, los actores son de primera, no sólo en las actuaciones sino también en los detalles característicos de este singular presidente. El enfrentamiento y la tensión que se genera le dan ese toque de gracia y muestra una vez más que no todo lo que brilla es oro.

Ideal para nuestra casta política, acostumbrada al comportamiento ambivalente.

Recomiendo complementarla con “Nixon” (1995) una película del siempre controversial Oliver Stone que nos enfoca en la vida de este personaje, y que de manera alguna nos enmarca en la coyuntura de esos lejanos días.

Si eres un exquisito cinéfilo esta producción no tiene pierde.

Un brazo con vida propia

Para las personas que ignoramos la tensión que conllevó vivir la guerra fría, allá por la década de los 50’s y 60’s, Dr Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb es una manera de entender lo caótico y desproporcionado que fue la pugna de dos ideologías radicalmente opuestas entre sí.

Claramente esta película es un sarcasmo a la realidad imperante por esos días, aunque su trama no deja de reflejar la pavorosa realidad que sumergía al mundo por ese entonces.

Su director, Stanley Kubrik, es uno de esos directores que pese a contar con el apoyo de los grandes estudios siempre tuvo esa libertad creativa que le permitió expresar su punto de vista sin ningún tipo de parámetro inquisidor. El paso de los años hizo apreciar que las películas de este realizador adquirirían pinceladas de obras maestras. Nombrarlas sólo confirmaría lo ya anunciado y por lo tanto, nada novedoso (a estas alturas quien no vió alguna de esas fabulosas películas que ya tienen el cintillo de clásicas: Espartaco, 2001: A Space Odyssey., Lolita, Full Metal Jacket, A clockwork Orange, entre tantas otras).

La trama encaja para la coyuntura de la época en que se filmó (1964): Un general norteamericano, encargado de un grupo de bombarderos continentales, enloquece y cree ver una inexistente infiltración soviética; sin conocimiento del presidente lanza sus bombarderos hacia territorio ruso. A partir de ahí la situación se vuelve tensa: el presidente norteamericano no sólo tratará de convencer a su colega ruso de que el ataque es un error, así como sus denodados esfuerzos por evitar que se active el dispositivo del juicio final.

Sus actores, encabezado por Peter Sellers, quien interpretaría tres de los personajes de esta trama, incluyendo mi favorito, el nefasto Dr. Strangelove (cómo olvidar su leal y autónomo brazo nazi) actúan a la altura de las circunstancias.

Por supuesto las escenas tan memorables y difíciles de enumerar (la pelea en la sala de guerra una de ellas por ejemplo).

Cómo no mencionar, para terminar, que el nombre de la películas es considerada cómo una de las más largas que se hayan empleado en películas alguna.

Obviamente disfrutarla hace pasar el mal sabor de los últimos bodrios a los que nos tiene acostumbrado Hollywood, que en vez de pensar con el cerebro lo hace con el bolsillo.

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El poder de la amistad

Alan Jonson es un exitoso dentista, con una familia que por ratos lo asfixia y agobiado por colegas en la clínica que fundara hace tiempo. Un encuentro repentino con su antiguo compañero universitario Charlie Fineman (imposible pasar desapercibido el look a lo Dylan), persona que ha perdido a toda su familia en los atentados del 11 de setiembre, hecho que origina un bloqueo emocional que lo hace comportarse como una persona que pierde la memoria intencionadamente y abrace efusivamente la vida ermitaña y en lo posible, una actitud despreocupada de lo que acontece a su alrededor.

Pronto Alan tratará de hacer lo posible por que su antiguo amigo supere el trauma en el que se encuentra inmerso. Contará para ello con la ayuda de una muy joven psiquiatra.

Como ya es costumbre, los primeros minutos la vi sin mucho interés, pensando quizá en los antecedentes cómicos de Sandler, sin embargo con el transcurso de la película empecé a tomar repentino interés. Además la actuación de Sandler como el torturado Charlie no es del toda mala, algo que no me sorprende pues anteriormente me gustó su actuación en “Punch-drunk Love” y en “Spanglish”. Hecho que me hace pensar que la comedia debe ser más complicado que el drama en la carrera de un actor. Y por su puesto lo buen actor que Sandler es.

Su importancia, a mi parecer, radica en dos cosas; primero: el tratamiento que se da sobre los sucesos del 11-S; en ésta no hay historias de héroes fantásticos, si no de personas sufriendo aún hoy los estragos causados por la insana actitud del radicalismo político y religioso. Y segundo, la amistad que ajena a todo interés mundano hace posible la superación de aquellas cosas que no se pueden dejar atrás y en las que el olvido parecen si al menos no imposibles pero si dificultosos.

Imposible no notar la música que va fluyendo a lo largo de la historia, tengo entendido que el título se inspira en una canción de The Who, que sin embargo, no la plasma en su respectiva banda sonora. De cualquier manera hacemos lo posible por conseguirla para afirmarla o negarla.

Traducida como "En algún lugar de la memoria" o "El poder de la amistad" para los cines de habla hispana.

Muy recomendable, especialmente cuando no hay algo interesante para ver en el cable. La dan por HBO, la repiten este miércoles y supongo todo el mes venidero.

Dirección y guión: Mike Binder.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 124 min.
Género: Drama.
Elenco: Adam Sandler (Charlie Fineman), Don Cheadle (Alan Johnson), Jada Pinkett Smith (Janeane Johnson), Liv Tyler (Angela), Saffron Burrows (Donna Remar), Donald Sutherland (juez Raines), Robert Klein (Jonathan Timpleman), Melinda Dillon (Ginger), Mike Binder (Bryan), Jonathan Banks (Stelter), Paula Newsome (Melanie).

el poder de la amistad

Dog Problems

“Dog Problems” es una película independiente que dudo se haya estrenado en los cines nacionales. Filmada en el 2006; emitida en el cable por estos días de Agosto que ya fenecen (Cinemax la transmite).

El argumento es suficientemente interesante: “Solo” es un escritor bastante peculiar, transita por una sequía literaria y se está quedando sin dinero, busca solucionar ese inconveniente acudiendo a un terapista (¿en serio funcionan?) que le está costando un ojo de la cara. Por consejos del terapeuta compra un perro, con la llegada del animal y gracias a él se irán entrecruzando personajes que irán enriqueciendo la trama. Conoce a Lola, una striper, quien se va encariñando con el animal y su dueño, no faltarán sus prestamista quienes ven en el gracioso perrito la manera de recuperar sus préstamos. A partir de ahí la historia se vuelve entretenida y toma un toque dinámico.

Su final me pareció muy efectiva. Un final abierto, en la que uno queda intrigado. Pero que en definitiva agrada un montón.

Noten esa frase que se irá repitiendo a lo largo de la película y que en esencia la define muy bien: “la vida es una negociación complicada”. En definitiva un mensaje que ayuda de manera alguna a entender situaciones cotidianas reales y no la basura a la que nos tiene acostumbrado Hollywood. Aquí no hay tipos buenos ni malos, simplemente personas que tratan de tener un rumbo en sus complicadas vidas, personajes que buscan el amor por más que destilen esa sensación de materialismo vital.

Tiene muy buenos actores: Giovanni Ribisi, Don Cheale, Mena Suvari. Dirigida por Scott Caan, quien también actúa en ella.

Marie Antoinette

Lejos de ser un riguroso documental “Marie Antoinette” es una película que retrata la frivolidad de la corte de Versalles y su copioso derroche. Las actuaciones son muy bien logradas por lo que es imposible no sentir cierta simpatía por la joven reina y su continuo ondular en una corte en la que abunda la intriga y la hipocresía.

Estrenada en el 2006 y dirigida por Sofía Coppola, es una de esas películas poco comprendidas, en parte quizá a la mezcla de elementos modernos con tradicionales, sin embargo a mi entender en la ficción todo es permitido y debe ser tomada como tal.

Emitida en el cable, razón por la cual tuve oportunidad de verla, además de que por estos días no he visto película digna de ser mencionada, es en definitiva una buena realización.

Mención aparte es la banda sonora, ya habitual en las películas de esta realizadora, que le brinda a la temática un ambiente festivo en la que se mezclan piezas musicales recientes con obras clásicas que lejos de desentonar funcionan bien.

Muy recomendable.

El fin de los tiempos

Desde sus primeras películas (El sexto sentido) M. Night Shyamalan juega con el suspenso en sus realizaciones, tiene esa capacidad para dejar intrigado al espectador; sin duda la cualidad favorita de sus películas es decir más de lo que trasmite, situación que requiere prestar un poco más de atención que sólo el mero pasatiempo pasajero.

“The Happening” aún en cartelera, es una película en la que la paranoia juega un papel dominante a lo largo del transcurso de la cinta, su trama es bastante simple: repentinamente la gente empieza a perder conciencia de sus actos y comete suicidios colectivos sin una explicación o una solución que evite sucesos similares, ante ello los protagonistas recurren a lo único que pueden realizar en esas extrañas circunstancias: huir. En su raudo y desesperante escape los acompañará la hija de un amigo. Pronto se unirán a un grupo de personas en la misma situación y comenzarán los primeros intentos de explicar lo que está sucediendo, sin embargo el suceso pronto los alcanza.

El final es bastante bueno, como ya nos tienes acostumbrado este realizador, con ello logra devolverle fuerza a la película que por ratos pierde esa pizca de drama y la explicación bien pudiera funcionar, no es descabellada ni fantasiosa. Una vez más es importante ver lo que realmente se quiere decir, algo que se aprecia en este tipo de realizaciones como dijimos al inicio.

Es altamente recomendable, mucho mas después de “La dama en el lago” (película que definió una buena amiga como “estafa audiovisual”) parecía que ya no nos podía sorprender.